Barroco

En virtud de la colonización de América por países europeos naturalmente se transporto el Barroco para el Nuevo Mundo, encontrando un terreno especialmente favorable en las regiones dominadas por España y Portugal. Artistas y misioneros europeos emigraron a América para formar escuelas barrocas alrededor de casi todo terreno Americano.

Arquitectura: La arquitectura barroca se caracteriza por la complejidad en la construcción del espacio y por la busqieda de efectos impactantes y teatrales, una preferencia por plantas axiales o centradas, por el uso de contrastes entre llenos y vacios, entre formas convexas y cóncavas, por la exploración de efectos dramaticos de luz y sombra, y por la integración entre la arquitectura y la pintura, la escultura y las artes decorativas en general.

Es de destacar el “Barroco Misionero”, desarrollado en el ámbito de las reducciones, las tribus indígenas organizados por misionaros católicos, formando un Barroco Hibrido con influencia de la cultura indígena, donde los propios indios tuvieron parte importante en la creación de las obras, y la Escuela de Cuzco de pintura, fundadas por los Jesuitas Juan Íñigo de Loyola y Bernardo Bitti, junto con otros Mestres, tuvieron la participación de indígenas incas, un pueblo de cultura propia, que brindaron su propia contribución estética, luego la escuela se desarrollo de una manera original, sincrética y de tendencia fuertemente ornamental, cuya influencia se extendió a partir del S XVII por todo el vice reinato de Perú.

Escuela de Cuzco

Su originalidad reside en la confluencia de dos elementos formadores distintos. La traducción barroca de pintura traída por los colonizadores españoles y la contribución indígena.

La gran parte de las obras dejada por la Escuela de Cuzco se dirige a los temas sacros, y su estilo típico se caracteriza por la ignorancia en la perspectiva, por el uso de colores caliente, por el interés en la belleza de las formas, por el requintado detalles de carácter altamente ornamental y por la desproporción entre las figuras centrales de los santos y ángeles en relación a las personas comunes que pueden ser representadas junto con ellos. Las figuras son ataviadas con vestimentas suntuosas y ocasionalmente son en molduradas por cortinados, colanas o otros elementos de arquitectura, presentando un aspecto mayestático y monumento, a despecho de las dimensiones de las obras, que son muchas veces modestas. También se ven con frecuencias elementos de la flora y fauna locales. La mayor parte de los trabajos conocidos no tiene la autoría identificada, ya que sus creadores en gran parte indios, vienen de una cultura en que la creación artística es principalmente la obra religiosa, tenían un carácter colectivo.

Barroco Mexicano

El barroco mexicano se encuentra disperso en todas las ciudades que fueron colonizadas en la época. En ellas se guarda gran parte de los detalles que identifican esta época tan importante en la historia del país.

Cada decorado, en cada figura representada y exaltada con bellos y brillantes colores, simboliza su deseo de ver reflejados sus pensamientos, valores y creencias en los principales recintos de sus ciudades.

Escuela de Lima

La pintura colonial tuvo tres grandes influencias: Italiana, flamenca y la española. LA influencia indígena no derivo solo en un estilo, sino que propuso un concepto distinto del común, con una validez genuina, manifestándose en un arte distinto y propio que llevaría el toque peruano.  Los artistas interpretaron los temas y estilos de los trabajos del arte occidental dados por los curas católicos.

Escuela portuguesa

La arquitectura Barroca en Portugal tiene una situación muy particular y una periodización diferente del resto de Europa. El barroco portugués en realidad no siente grande falta de edificaciones porque permite transformar a través de la talla dorafa, espacios aridos en apatarosos cenarios decorativos. Lo mismo se podría aplicar los exteriores. Permiten aplicar decoración o simplesmente construir el mismo tipo de edificio adaptando la decoración a gusto de la época y del local.

En el reinato de D. Juan V el barroco vive una época de vistosidad y riqueza completamente nueva en Portugal, a pesar del temblor de 1755 haber destruido muchos edificios, lo que llego a nuestros días además es impresionante. Por todo el país es visible las marcas de la época y el Fausto la que el reino llego. La talla dorada asume características nacionales debido a la importancia y riqueza de los programas decorativos. La pintura, escultura, artes decorativas también atraviesan una época de gran desarrollo.

Renacimiento S XV – XV

Arquitectura

Miguel Ángel 

Michelangelo di Lodovico Buinarroti Simon (1475 – 1564), conocido como Miguel Ángel, fue uno de los más importantes escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista. Desarrolló su arte por más de setenta años entre Florencia y Roma que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia y los diferentes papas romanos.  

Fachada de San Lorenzo

Financiado por la familia Médici, la construcción de la basílica de San Lorenzo de Florencia fue desarrollado por Brunelleschi. El trabajo de Miguel Ángel fue acabar la fachada, y dejo escrito las siguientes palabras “Me he propuesto hacer, de esta fachada de San Lorenzo, una obra que sea el espejo de la arquitectura y de la escultura para toda Italia”, pero por problemas con el tipo de material elegido, el papa (el 10 de marzo de 1520) dio por finalizado el contrato, cuando el artista se quejó que el mármol destinado para la fachada se estaba utilizando en otras obras. La ultima maqueta (hecha en madera por su ayudante Urbano) de la basílica de San Lorenzo de Florencia, sigue conservada en la casa Buonarroti.

Biblioteca Laurenciana

De Clemente VII fue la idea de construir en Florencia una biblioteca que serviría para conservar toda la colección de codex de la familia Médici. El edificio acabaría siendo conocido como la Biblioteca Lurenciana. Se centraron los esfuerzos en resolver el soporte de la nueva estructura sobre los muros antiguos: en la biblioteca se bajó el nivel del techo y se situaron ventanas muy próximas las unas a las otras, con lo que se conseguía ampliar la luminosidad. El vestíbulo se diseño como lugar de circulación, con una altura superior, y se añadieron ventanas de iluminación. El artesonado de la biblioteca esta realizado con motivos elípticos y romboidales. Se conservan más de 30 hojas de dibujos de la Biblioteca Laurenciana, si bien por la correspondencia mantenida durante su elaboración, se sabe que debieron ser mucho más.

Plaza del Capitolio

Se le encargo a Miguel Ángel la urbanización de la plaza del Capitolio o Campidoglio . Dispuso el Palacio de los Senadores en el fondo de la plaza, con unas escalinatas tangentes a la fachada; y delimitada a los lados por dos palacios. El Palazzo dei Conservatorio y el llamado Palazzo Nuevo construido ex-novo, ambos convergentes hacia la escalera de acceso al capitolio. Los edificios, actualmente Museos Capitolinos, fueron dotados de un orden gigante con pilastras corintias en la fachada, cornisas y arquitrabes, y proyectadas divergentes, no paralelas, de manera que la plaza quedaba en forma de trapecio, para conseguir la ilusión óptica de más profundidad. Confirió a la plaza una plástica extraordinaria, encargada de fusionar todo el ambiente. Un espacio abierto, sobre todo entre los dos palacios simétricos. La unidad total de la plaza no se consiguió hasta más tarde con la construcción del Palazzo Nuevo, proyectado también por Miguel Ángel para separar la Iglesia de Aracoeli de la plaza. Casi todas las fachadas fueron construidas una vez muerto el artista.

Escultura

Donatello 

 

Donato di Noccolò di Betto Bardi (1386 – 1466), escultor italiano. Trabajo básicamente en Florenza, Prato, Siena y Pádua, recurriendo a varias técnicas (tuttotondo, bajo relieve, stiacciato), y materiales (mármol, cobre y madera), se separo del gótico retomando y superando el arte griega y romana, sea formalmente, o sea estilistamente. Muy particular fue su capacidad de sugerir humanidad e introspección en sus obras.

David en Mármol

Muestra una escultura mas elaborada, para los confrafuertes del coro de la catedral; para el mismo sitio le encargaron a Nanni di Banco otra escultura en la que debería representar el profeta Isaías. Si se comparan ambas esculturas, se puede observar una flexión del cuerpo en la escultura de Isaías que continua siendo gótica y que parece no tener un eje central mientras que la del David de Donatello, presenta un contrapposto perfecto. Donatello la realizo en mármol con una altura de 190 cm, la gran meticulosidad del acabado nos recuerda la influencia que aun tenía el autor del oficio adquirido durante su aprendizaje en el taller de Ghiberti.

Orsanmichele

La iglesia de Orsanmichele, es un edificio que en su origen fue construido para un mostero de una comunidad de monjas, mas tarde se utilizo para tribunal civil y después para el mercado de cereales, hasta ser destinado al culto mariano. En 1366 las arcadas de la plaza fueron cerradas por el arquitecto Francesco Talenti y en el año 1404, se ordeno que casa “Arte de Florencia”, colocara en una de las 14 hornacinas de las pilastras exteriores, la imagen de su santo patrón. Asi Orsanmichele se convirtió en un lugar publico de exposición exterior a nivel de la vista. Las estatuas de ellas se encuentran en la planta superior de la iglesia, convertida en museo, inaugurado en 1996. Donatello participo con los encargos del San Marcos para el Gremio de los Hiladores (1411 – 1413), el San Jorge para el Gremio de los fabricantes de armaduras (1415 – 1417) y el San Luis de Tolosa para el de los Capitanes de la parte de los Güelfos.

Marzocco

Escultura representada por un león que era el símbolo del poder popular en la república de Florencia, y que Donatello supo sacar toda la gran majestad en la descripción del animal heráldico. En el año 1810 fue erigido en la Plaza de la Signoria, y más tarde, reemplazado por una copia y trasladado el original al museo del Bargello.

Pintura

Tizian Vecellio de Gregorio (1488 – 1576)

Fue uno de los principales representantes de la escuela veneciana del Renacimiento, anticipando varias características del Barroco y haste del Modernismo. También es conocido como Ticiano.

Cardenal Cristoforo Madruzzo

El retrato del Cardenal Cristoforo Madruzzo es una pintura a aceite sobre tela, realizada en 1552 por Ticiano, maestro del renacimiento veneciano. Firmada y con fecha, la obra retracta Cristoforo Madruzzo, personaje central de la historia política y eclesiástica de Europa del S XVI, a los 39 años de edad. LA obra se encuentra en el Museo de Arte de Sao Paulo des de 1950.

Venus de Urbino

Es un aceite sobre la tela. Exhibe el desnudo de una joven identificada como Venus, acostada en una especie de cama suntuosa. La obra se encuentra en la Galleria degli Uffizi en Florencia. La posición es basada en la Venus Dormida (c. 1510) de Giorgione, que por su vez esta en el Gemäldegalerie Alte Meister, en Dresden. La obra fue financiada por Guidubaldo II, duque de Urbino.

Carlos V a caballo  en Mühlberg

Cuadro pintado con aceite sobre el lienzo. El artista lo realizo para representar al emperador de Alemania y el rey de España, Calos I, como triunfador en la Batalla de Mühlberg. El cuadro es de un valor histórico sin igual y ejerció una gran influencia en la época barroca.

Periodos:

-                   - Paleolítico

                      - Neolítico

-                   - Egipto

-                   - Civilización egea

-                   - Grecia

-                   - Roma

-                   - Cristiana primitiva

-                   - Bizantina

-                   - Europa occidental en el inicio de la edad media

-                   - Arte románica

Paleolítico

Dibujos que representan a los nuevos descubrimientos del hombre de la época. Empieza a descubrir nuevas maneras de dejar su marca en la historia y su rastro ya que es un periodo completamente anterior a la era de la escritura. En esa época, los hombres necesitaban hacer entender y dejar gravado sus costumbres para que los futuros hombres pudieran seguir con la misma línea de razonamiento y cultura que ellos tenían. En el estudio de las obras encontradas en la era Paleolítica, se determina que se tratan de dibujos y gráficos muy simples y poco definidos. Demuestra el interés del hombre de expresarse pero aun no optimiza esos medios. Como no poseían color hasta este entonces, buscan el carbón que era lo más próximo de una tinta que tenían para poder rayar en as paredes las líneas que querían dejar marcadas.

Neolítico

Los cambios no son muy representativos en determinadas obras, pero se nota una mayor integración del medio con el hombre. El hombre empieza a utilizar la agricultura como medio de subsistencia, y retracta el cuidado que el hombre debe tener con los animales y con las plantas. Se notan los trazos, mucho más firmes y tal vez un nuevo material utilizado en la pintura de las paredes. Demarca el final de la era prehistórica y la evolución del hombre.

Egipto

Quizás una de los estilos del hombre representarse más directamente y decir lo que quiere representar de manera más clara y concreta. El hombre como diseño pasa a ser más presente y así hacer parte del cotidiano, más humanista, retractando batallas y guerras. Los colores pasan a hacer parte de los diseños, mismo que en pequeñas cantidades aun, pero ya aparecen. Un arte más dedicado a lo funerario, donde ellos creían que si no fuera por las oraciones que todos hacían, el mundo se acabaría y por eso se dedican mucho más a lo religioso que a los movimientos anteriores.

Civilización egea

Se nota una valorización del cuerpo humano y de los colores en la civilización egea. Hasta ahora, se conoce poco del arte y la cultura de esa civilización, pero se tiene que fue una buena evolución de la civilización de Egipto. De las ruinas que fueron encontradas, poco se pudo estudiar por el mal estado de las piezas. La mayor parte de esas piezas se perdieron con el pasar de los años y poco quedo de lo que es pintura y arquitectura.

Arte griego

El arte griego eleva la figura humana. Lleva a la divinidad el hombre y crea a los dioses como imágenes. La pintura trata de llevar un elemento de decoración a la arquitectura y a los patios griegos y tienen mayor cantidad de color. Los griegos pasan a utilizar colores como dorados, negros y rojos para representar su cultura de modo mas concreto y dejarla marcada por el largo de los años.

Arte romano

El arte romano tiene una mayor interpretación de las luchas y peleas enfrentadas por los romanos. Los colores son mas fuertes y vivos y retractan con mas realidad lo que quieren expresar. Son obras de grande porte y que en muchos casos poseen detalles en oro y cobre. La cultura artística del arte románico es muy rico en detalles y muy humanístico. Vemos la presencia en la mayor parte de las obras de seres humanos en guerras, peleas o confrontes entre pueblos y en partes eso representa la realidad del pueblo en el momento.

Arte cristiana primitiva y el bizantino

El arte cristiano primitivo y bizantino se encuentra en la misma época y comparten muchas cosas en común con el arte y manera de expresarse. Imágenes con finalidades cristianas y católicas, el uso del ser humano en casi todas las imágenes, uso de colores puros como blanco, marrón y dorado. En el caso del arte cristiano, encontramos mas colores como el rojo y el verde en las ropas de las imágenes. Mucha imaginería hace parte de esta arte.

Arte de Europa occidental en el inicio de la edad media

Las imágenes poseen un impacto impresionante sobre el espectador. La forma de los cuadros, los colores elegidos. Parece un cambio brusco de la manera de dibujar y pintar des del periodo paleolítico hasta los tiempos actuales. Colores fuertes, una suave profundidad sobre las imágenes sobre lo que se nota des de lejos. El cristianismo se nota en la mayoría de pinturas que encontré en este periodo.

Arte romanico

El arte románico es bien parecido al arte europeo en el inicio de la edad media, como fue mencionado anteriormente, pero al contrario de lo que se veía en Europa, aquí vemos a un Cristo pantocrátor. La imagen fuerte e impactante igual las anteriores, pero con colores mas sobrios en algunas situaciones, en el caso de la pintura presente, colores azules oscuro toman el puesto del rojo que predominaban las imágenes europeas.